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最近有不少朋友私信咨询我如何学习作曲、音乐制作等专业以及授课的体系与方式，聊天窗口里说再多也只能是不成套的只言片语，所以思前想后决定以这样一篇专栏的形式系统介绍一下，可以说是非常翔实了！
首先这里的作曲主要指严肃音乐作曲（古典音乐、20世纪先锋派音乐），音乐制作则主要涉及到流行歌曲制作、影视剧游戏等配乐。既然都是创作，那也就意味着学习的方式其实是基本一致的，只是一些具体的涉猎风格和思维不太相同。
它们可以分为以下三大板块：写作训练、理论基础和后期制作。可能有不少学生或者老师一开始强调的重点是理论，然而这里我却把写作训练放在最前面。可以说即便老师本人是从小扎实学习音乐理论的标准科班出身，在教学上也绝对将实践作为最重要的部分。
一、写作训练
主要包括以下四个分支：旋律、和声、织体以及曲式结构的分析与写作。
先说旋律。
旋律永远是音乐的重中之重（我们不能保证每一首曲子旋律都是最重要的，但在大多数风格里事实便是如此），无论古典音乐还是流行音乐，旋律都是最具个性特点、最为突出的那一部分；同时它的形式看上去最简单，实际上却也最难练习，是阻碍了许多学生写出好作品的真正“元凶”。
我时常会给学生们讲这样一个道理——翻开莫扎特、贝多芬、肖邦的谱子，虽然他们用了各种各样的和弦，但出现频率最高的仍然还是主、下属和属和弦；那么为什么同样这人尽皆知的三个和弦，他们就能运用自如并成为大师？说明问题根本不出在你用了多么高级的和弦，这应该是5岁小孩都能想明白的道理。
因此在我的授课中，我会着重分析不同风格的作曲家、配乐师的旋律，帮助学生真正认识到它们如何能够动听——也即为如何自然而然地唤起了、调度了我们的情感流露。发展音乐的手法以及各种作曲技术也会大量地介绍，但首先需要理解的是这里到底是一种怎样的音乐形象？为什么要这样用？这一点也许是和其他一些老师不太一样的地方。
旋律的分析会是课堂的主要教学部分之一，无论“熟能生巧”这一成语有多么正确，你都得先有输入才有输出。写作上，会强调学生创作各种风格的旋律，这样能够帮助学生迅速找到自己熟悉并善于模仿的风格，能够较早地形成自己的一套话语体系。
和声。
和一些像是在做算术题的和声分析教学思维不同的是，我首先重视的是旋律与和声的结合，以及去理解和声的布局思路，掌握各种和声风格。除了纯粹地去计算识别音乐中的一个个所用和弦，学生还要在理解了旋律音乐形象的基础上，分析和声是如何为其服务的。比如旋律中不同的音显然轻重缓急地位各不相同，那么与这些音所对应的当前和弦彼此之前又有什么逻辑关系。
写作上主要就是因材施教（后面的大多数部分同理）。需要学习严肃音乐和电影配乐的学生由于要创作交响乐，非常有必要学习严格的古典和弦连接题写作，只不过要求上不见得彼此相同。流行音乐方面则主要学习各种风格下的不同和声玩法，以及一定程度的爵士和声教学（取决于学生的需求）。当然我建议所有音乐领域的学生都能好好地把古典和声也学一遍。
织体与曲式结构。
在基本解决了旋律与和声的问题之后，其实这两方面相对就比较轻松了。在严肃音乐方面，会对发展材料以形成大型曲式结构这一点上有更为严格的要求；而织体上则主要是学习各种织体语言，学会如何在分解与柱式和弦这两个最基本的织体上变出花来。但切忌为了写出花里胡哨的织体而破坏了曲子整体的音乐形象，我们的创作仍然以旋律为主。
二、理论基础
理论基础主要包括传统作曲四大件、音乐编辑以及音乐简史。即便是流行音乐领域，也能够根据这四大件的分门别类做一些学习内容的改动以适应对应的风格特点。
作曲四大件之首和声前面以讲到，在此不再赘述。
配器。
配器主要分为管弦乐配器以及流行音乐配器。管弦乐配器方面除了认识管弦乐队的各乐器演奏特性，还会学习如何扩写钢琴缩谱改编乐队，在充分理解旋律音乐形象及全曲结构的前提下，合理地选择各种配器方案。流行音乐则主要以电声乐队四大件——吉他、键盘、贝斯和鼓为主要学习内容，了解各乐器的特性、相互之间如何配合以及各种风格下演奏语言的不同。
曲式和复调。
曲式和复调主要取决于学生的目标领域，仅仅是涉及到严肃音乐时才会在这两门类上有所授课。曲式前面已经有所提及，同样也是在充分理解旋律音乐形象的基础上，把握作曲家的曲式结构。复调则强调学生掌握各种对位法的基础写作技巧以及各种复调体裁，使学生能反哺到自己的主调音乐写作上，提升其中的对位性。
音乐编辑。
原本是好莱坞工业体系中的一个已经成熟的工种，它衔接了作曲家和导演，帮助两边能共同完成合适的音乐片段。音乐编辑会涉及到的视听语言和通常电影专业侧的授课不同，是针对性地为音乐专业学生所设计的（当然显然这里指的是选择影视剧配乐的学生）。学生会了解到电影的基本拍摄与剪辑手法，以便今后在实际工作中更准确地、更专业地与客户/导演/制片沟通；以及电影画面究竟是如何与音乐所结合的，在这一点上会有老师自己总结的“语言灵感法”以及各种结合的实例，包括一定程度的音乐编辑（用现成音乐片段配画面，提高自己的音画结合敏感度）。
音乐简史。
音乐简史主要是为了帮助学生在掌握了某种风格的基本背景与历史前后脉络之后，能更好地学习与模仿各种风格。因此不会要求学生大量地背记各种历史事实与概念，当然如果有相关考试要求则分情况讨论。
三、后期制作
这一板块主要针对音乐制作以及影视剧配乐的学生。将电脑上模拟的midi音乐做到尽可能真实的地步，以及整个现代音乐工艺的音色审美与声音细节的把握，都是这个专业非常重要的一环，它将在你今后的前期客户沟通到最后成品的产出起到决定性的作用。
后期制作的授课主要围绕几点：软硬件操作与数字音频基础常识、demo制作、电子舞曲制作、乐谱制作。
软硬件的操作与数字音频基础常识。
这一部分主要是介绍整个数字音频工作系统的基本原理，了解了这一点才能够知道我们的工作到底是如何运行的。软硬件操作则主要帮助学生掌握如何运用各种软硬件，其中软件包括乐谱制作软件、数字音频工作站、各种效果器以及音色库软件；而硬件则主要是一些设备常识的介绍，包括我们会用到的声卡，以及调音台等。
demo制作主要指midi文件的编辑及乐器人性化，尽可能让它能达到真实乐器演奏的效果。同时还包括音色方面的制作工艺提升，这就涉及到了简单的混音录音以及其他后期音乐制作技术。
在这个基础之上，还提供了电子舞曲的制作。学生会掌握合成器的基本用法、各种电子舞曲的风格以及它们不同的制作技巧（音色调制方式）。
乐谱制作主要是针对于影视剧配乐的学生，实际上经过过良好的交响乐写作与配器训练后，这一点应该不成问题。在我们的电影音乐录音行业里，作品的录制往往是在非常短的时间之内完成的，这就要求作曲家必须准备非常清晰、简洁易读的乐谱，以防备乐手在视奏时耽误大量时间与成本。
接下来是Q&A环节：
问：现在学习作曲的途径很多，也有许多老师教，Rax老师自身教学有什么最大的特点？
答：诚然，目前这个信息时代非常发达，获取成本也很低；但同时它的负面影响是杂乱无用的甚至错误的信息也有很多。因此在这种时候，更是需要老师能够挖掘出学习作曲的本质以更好地帮助学生进步。
大体来说有以下几点：
多听、多分析、多写作优于一切理论学习，并且会给学生批改作业并提供详细反馈；
重视旋律的写作以及对音乐形象的解读，用最丰富的比喻、最具有逻辑的解构揭开旋律的真正秘密，并让学生理解到如何让音乐的其他一切方面（和声、配器等）为之服务；
多种音乐风格融会贯通，并用强有力的古典作曲背景解释反映其背后的规律；
多种多样的丰富案例素材，能够满足线上线下各种授课需求。
问：在学习作曲/音乐制作之前，我需要具备什么样的基础？
答：总得来说需要分为以下三部分：乐理、视唱练耳和器乐演奏。
乐理是学习一切音乐专业的基础，如同学中文要先认字，所以一定是要达到完全熟练做题运用的程度；
视唱练耳提升了你对音乐的敏感度、辨识力和记忆力，因而也是非常重要的基础，听辨上至少要达到三和弦的程度，以及能够准确听记短小的旋律片段，准确视唱大概三升三降的曲子；
器乐演奏基础是一个人音乐语言的基础，因为通过常年的训练，除了提高跟视唱练耳类似的能力，你也能够更容易地表达旋律，因为同风格的音乐已经在你脑子里来回过了许多遍。当然程度上来说不需要太高，但最好能掌握钢琴/吉他。
问：我本身不是学音乐的，学这个有希望吗？
答：各行各业都有数之不尽的半路出家现象，作曲与音乐制作没有任何特殊之处。只不过确实，半路出家会比科班有不少基础上的缺失。但是，前面已经说过，理论基础只是你认知音乐的一个入门工具，真正创作上的能力——创造力、模仿能力和记忆能力等——与你的基础没有必然联系。其次，每个人具体涉足的领域也不尽相同的，比如有可能你擅长创作的音乐能够”掩盖“音乐基础上的弱处。
问：我本身是学作曲出身的，或其他专业，总之基础很好；所以现在想转这个电影作曲音乐制作之类的是不是很轻松？
答：绝对不是，否则这个行业早就被音乐学院的顶尖毕业生霸占了；然而现实恰恰相反。诚然，有严肃作曲学习经历的同学会在各方面的基础都占据先天优势；然而创作不同的音乐如同学习不同地方的方言，如果你不是这个地方的人可能要花很长时间学习其口音。并不是因为这种方言本身难讲，而是你已经养成了自己的习惯。
音乐艺术，无论创作还是表演，都是将大量前人的经验和自己的风格转化为一种下意识的直觉（很显然歌唱家不可能一边唱一边回想他的老师十年来教的所有内容）。既然是一种直觉，一种已经养成习惯的东西，显然是难改的。
问：老师提供的教学内容太多了，真的有必要上这么多吗？
答：总的来说需要学习的内容的确包括了这几个方面至少是，否则它也不会成为门槛最高的音乐学科之一。只不过针对于每个人的情况不同，水平与需求不同，老师都会制定专门的教学计划。这里仅仅是把最大范围的教学内容罗列出来而已。有的学生想要节省一部分成本自学，那也是可以的；只不过自学会有风险问题，要谨慎选择到底自学什么内容。
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