音乐人有多少学了四声体用于作曲呢？

Vivian

什么人都能叫作曲大佬了吗，发个作品听听啊。

但凡要写传统风格作品，尤其是传统风格管弦乐队作品的，哪怕不说非得斯波索宾，传统和声多少得学个一年半载吧。

写曲子当然是拿自己学过的东西写啊，难不成还能写自己没学过的。且不说传统和声的风格怎么样，要是真学了却不能用在创作上，那不白学了么。

Vivian

思波索宾条条框框背后的深层次原因，无非是在只有四声部的时候，避免某种音响效果而已，流行音乐编曲第一不是四声部，第二思波索宾中想避免的一部分音响效果是被允许的，

个人观点，可把思波索宾的那些规则，作为书中给出的那部分曲子的风格特点，而非绝对真理，当需要写作那类音乐时，就遵守，当需要别的音响效果时，就用其他的对应写法。

音响与写作方法之间的关系是相对固定的，各种音响都是可以被用起来的工具，或许思波索宾中给出的规则与音响的关系比比记住那些条条框框更有价值。

Vivian

「把四声体与斯波索宾划等」是一个很危险的信号。

请千万不要把四声体与斯波索宾划等。

也就中国大陆市场读不懂外语且懒得换教材的人们才会抱著斯波索宾的屌舔。

这教材对自学者非常不友好、对没有器乐与大量五线谱读谱基础的人而言非常不友好。

国内外已经有很多替代教材问世了，当中一定也有些我不知道的教材。

多去探索一下吧。

P.S.: 写合成器 pad 用四声体写出来也都会更好听。

Vivian

斯波索宾的核心是他那个时代的规则。重点，时间一定是卡在他那个时代，如果想写他心里那套东西，就得那么写。这个限定的定语很多。

如果你不想写那个时代风格的东西？如果想写的东西不是他心里那套东西？抑或根本连文化背景都不相同的东西？

那显然没用。

上礼拜我给一个朋友出了一个曲子里的打击乐声部，作者给定的自由度很高，大概就是相信我的水平，让我自己看着做，这当然也算是写作的一部分。我运用了斯波索宾吗？显然一个字都没用过。

如果你致力于创作，并且不是写那个时代，不是写他心里理解的那套东西，例如你喜欢布鲁斯、爵士、放克、嘻哈、摇滚、乡村、雷鬼、民谣……你没必要专门花时间认真学习，或至少是没必要当个正事，就把它当课外书了解了解没问题，只要大概知道他那个思路就够了（例如什么加什么是什么声音）。其他流派同理。众所周知，对于不是天才的普通人来说，某个理论学得越深，抠得越细，越容易丧失创造力。因为你思路天天混在那里面，有可能就不自觉会跟着他跑，最终成为蹲在大师影子里彻底看不见脸的人。

当然，如果你非常热爱，并下决心致力于创作斯波索宾式的音乐，或宽一点，创作十九世纪风格的音乐，那就努力学习吧，很重要，全书背诵也不为过。

Vivian

感觉斯波索宾的那一套和声学教程就是一直在说这样写不行，那样写也不行，你们一定得按我说的来，不然就是错误，得扣分。

我最初看的是星海音乐学院原院长蔡松琦著的《流行音乐和声技法》，这本书是以介绍的口吻去写的，不像现在一些国内音乐人写的乐理书那样直接给出规则要求你怎样做，这本书鼓励你自己独立思考，提倡一种和弦进行可以作多种解释，只要能自圆其说就行，更合我的风格。

自学乐理的去学斯波索宾的那一套，容易把自己绕进去，越学越迷惘，反而把自己搞不懂了。

为什么国内会选用斯波索宾的那一套和声学教程来作为学校教材呢，估计是依据这套教材容易实行标准化，考试容易评分。

Vivian

你好

和声学描述了关于音乐中和声的结构以及和声如何连接的这一方面。作曲是一项综合性的全方位的工作，没有任何一门理论可以全方位地概括作曲，更不用说运用斯波索宾和声学来作曲。

其实，哪本和声教材都是对音乐这一方面的描述。在18、19世纪的和声学里，差不多都是我们平常说的主下属属，描述更早期的音乐的和声学，又会略有不同。到20世纪及21世纪，音乐风格更加自由，和声学跟以往差异变大，而且种类更多。或者是爵士音乐里的和声、流行音乐里的和声甚至直接从听觉和乐谱去发现和声。他们的共性和差异是什么，为了什么样的音乐效果服务？在这么多种和声学里，最终目的并不是熟练运用和声学的规则，而是聆听、感受和理解某项规则产生的音乐效果。当然某一时期，严格规则下的音乐训练是必要的，这会给你带来更多的感受、思考以及理解。

再往大的方面来说，还得有历史和哲学的视角。历史上，某时期的和声规则或者技术是为了达到什么样的效果，当时的人是如何思考演变的，站在历史的角度思考他人因为某个音乐效果做出什么样的探索，其实对你也是站在作曲角度的一种思考、练习和训练。整个历史长河中，和声是如何变化何发展的，不是去记忆某个时期什么事情什么规则，而是真正地跟他们一起在他们当时的背景下思考音乐效果做出探索。如果是你，你会有什么样的想法和探索？你会怎么做？你要不要写写你想到的？或者你也可以听听历史中的人做出的探索？这样你会对音乐的材料更加得心应手地掌握。哲学上，各个时期的音乐都有共性。其实是所有的音乐都有共性，离不开哲学的底，离不开人和世界。

在作曲的练习中，聆听和探索谱面是重要的。直接去写、模仿或者临摹是最可以全方位练习的。有时候会发现写作练习中有某方面的不足，需要进行一些技术上的严格训练，比如和声学。这和练习乐器和练习声乐是一样的。尝试带着听觉和感受的技术训练是必要的，不然写作的时候还是会感觉在运用规则。乐器和声乐的技术练习也是同样的道理。

当你有这样一个全面而博大的视角面对作曲时，你会有全新的视角。其实，再仔细想想，这样的视角是不是和人刚开始什么都没学直接天真而赤裸地面对创造性的事物的本质相同？所以，我常常在内心想：“我从来没学过音乐，我只是一个用音乐表达的人。”

可能一下子说不完全而且我是比较需要想法和刺激才会想到一些东西。想到什么话，会继续更。

希望对你有帮助

Vivian

斯波索宾只是一部分基础训练工具而已，没有过不过时的说法除非你真的拿写题的那一套思维去写曲子（乐）

不过这套教程对自学者很不友好，而且章节排序划分也有些问题，有很多时候车轱辘话一直说抓不到重点，还有一些上2世纪的暴论规则

我的建议是国内只考斯波索宾所以有老师跟老师学，但是能换更好的书尽量换更好的

Vivian

内声部平稳进行，sbsb老规则了，大伙潜意识里都在这么遵循

Vivian

我自学了一点东西。

这本书我没看过。但看过一些其他和声学书，其中有些是外国人写的。

我的体会：和声学的既往实践的总结，而不是自己写作的指南。

和声规则要吃透（但有些书确实没写透）。比如平行八度、五度，为什么要禁止？要理解他的目的。通俗音乐还有空五度和声呢，破立皆有原因的。

音乐的艺术，只有好与不好，没有绝对的行还是不行。

Vivian

额…b站…编曲…

编曲和作曲是两个概念，一般（我是说一般，你杠算你对）编曲指流行音乐的，作曲指古典西洋乐民族乐这些。而和声学四部和声是以圣咏合唱的风格四部来研究的，很显然搞流行乐不需要这些。只要知道常用的几个和弦连接就行了。而古典乐是非常严格的，特别像西洋乐作曲如果你要写交响的话，那么多声部你流行个试试