音乐人有多少学了四声体用于作曲呢？

Vivian

我在B站认识了一个作曲的大佬，我问他了一些关于四声体的问题，他二话没说就给了我一个结论「斯波索宾的那一套已经过时了」，现在谁还去做那种曲子。那位B站的大佬连四声体都不会，难道不学四声体也可以编曲的吗？

Vivian

学习乐理的目的，不是为了“禁锢自己”，而是为了“通往创作自由”。可能比较反直觉的是，一个作曲者对乐理了解的越多，知道的种种条条框框和规则越多，他的创作反而越自由。

斯波索宾和四部和声就是这样，只是众多辅助作曲的工具之一。不会四部和声，不一定就不能编曲，因为还有其他种种工具可以指导和帮助你进行创业。但是如果不会四部和声，那他创作的自由度，就很难脱离“四部和声”的范畴。如果不会四部和声，那他可能会在创作需要类似“四部和声”的音响效果的片段时捉襟见肘，并且出现各种各样的“禁忌”和“犯规”，以至于最终没有办法正确地把内心的声音表现出来。这就是创作上的“不自由”。如果你不会四部和声，那你就永远无法在这个维度上达到自由。同理，旋律写作，对位，配器也是如此。如果你不学，那么你就没办法获得使用这个“工具”的自由。

因为只有在你真的会用这些工具以后，你才知道什么时候该用这些工具，而什么时候可以不用这个工具。并且在用这个工具的时候，能获得正确的，你想要表现的声音。

所以回到问题，今天还有多少人会用斯波索宾和声学那套东西去指导写作呢？我个人觉得应该是很少了，因为斯波索宾和声学呈现出来的整体风格和音响效果，在今天的大众的审美里，已经是非常“过时”和“保守”的了。如果今天还有哪个流行歌或者现代作品真的通篇用斯波索宾和声题的写法去写的话，那肯定听起来会非常无聊。但是，如果你真的又一点都没学过斯波索宾，那你也没有办法真的随心所欲去自由创作。因为哪怕你不想写斯波索宾式的音响，你也可能会下意识地写出来而不自知，而当你真正想写的时候，你又没办法写的很“正”。这样一来就失去了创作的自由性，以及对音响的掌控力了。结果毫无疑问会导致最终呈现出来的音乐品质受到影响。

Vivian

最近我教人的时候，常提一个建议：不要试图用理论规范你的作品，但是要用理论验证你的作品。

展开说就是：

不要在创作之初就给自己框架限制，强行设定自己的作品要用到什么理论，如何展现这个理论，你可以设定它的情绪、故事或干脆设定纯粹的音符上的主题，但只要不是考试，你设置了理论框架限制，便是对你作品最大的限制
你所学的理论也有一大部分来自于经验学，是通过大量实践积累得来的规律，因此你的作品也可以被验证，而如果反复论证都和现有理论有一定的出入，最大的可能性，是有你完全不知道的理论，而不是你开宗立派了，因为你需要让你的反常的作品积累到市场不可忽略的程度并可以有自洽的系统理论解释它时，你才有可能触及开宗立派
无论是斯波索宾还是史蒂夫莱茨或者马克列文，他们的理论书籍，我的建议是，都没必要按照文史或理工类理论书籍来学习，而我建议像查字典一样使用，它是工具书，就和你写作文很可能需要查字典来控制自己组词一样
总结就是，没必要为了用这个理论而去写作，你需要学习理论，但那是基本路线指导，路怎么走，是看你自己，如果你迷路了，理论可以指引，如果你走完了，要复盘，可以用理论验证，下次再走就可以更轻松。

Vivian

个人觉得，学和声是学套路，知套路然后选择用套路或者反套路。

众所周知，学斯波索宾主要是用来考试的［此处手动狗头一百个］，创作中用和声并没有太严格的限制，毕竟如果用现代技法作曲的话，要讲和声也大概不是斯波索宾那套了。

如果要说教材本身，一些国家的音乐学院还真是不用斯波索宾的，它是和声教材的选择之一，不是圣经。

（实话说，从规矩里跳出来去做一些不那么规矩但有趣的东西，如果老师没有强行要求的话，靠自己走出来其实挺难的，不如一开始就把其当做选择之一，而不是必选。）

回到问题本身，那位作曲大佬能说斯波索宾过时，他99%是会四部和声才敢这么说的。

Vivian

就是。

某音乐学院钢琴专业学生，平时偶尔给一些流行歌做伴奏。

斯波索宾描述的和声语境毫无疑问已经过时，但是这套和声学教材训练的不只是功能和声的使用，还有对声部进行的控制力。

使用键盘乐器为流行音乐伴奏，往往不需要思考每个声部的进行。我想原因是这样的：常用的键盘乐器音色，比如钢琴，声音是点状的，在一个清晰的头出现之后，就只剩下一片模糊的余音。这样的音色在和声节奏不快，比如一小节一个和弦这样的音乐时，听众并不会留意到每个声部的进行，只会发现大块和声色彩的变化（即和弦的变化）。所以使用这种乐器为歌曲伴奏，尤其是有更多音色在一起共同伴奏的时候，是几乎不需要考虑声部进行的。

但流行音乐的伴奏并不仅限于点状的声音。在使用长线条的音色，比如贝斯（拨弦）和弦乐队的时候，声部进行就显得尤为重要。斯波索宾描述的和声虽然落后了现有流行音乐很长时间，但是流行音乐对于斯波索宾所描述和声现象的补集几乎只有：不过分的高叠和弦、平行和弦、调性扩展、偶尔的平行五度。

流行音乐大面积使用七和弦，这给了声部进行带来了新的可能。例如在大调属七和弦的解决进行当中，本来一定要解决去I级音的VII级音就完全可以使用和声连接法保持不动，成为Imaj7的七音。被斯波索宾严格禁止的平行五度，因为它空洞的音响，在流行音乐需要的时候作为一点点缀也是完全合理的。

其实流行音乐的所有和声现象都可以用20世纪初的和声学来解释，德彪西已经尝试过流行音乐的所有和弦，而尝试的方法又比流行音乐丰富太多。在读斯波索宾之余研究一些19世纪20世纪的和声，之后就会发现和声学给编曲带来的巨大改变。

Vivian

四部和声不是用于作曲而且用于分析传统作曲家的和声结构。

作曲跟科研一模一样，是追求最新颖的音乐表达，写出前人没有写过的作品风格。就像很多音乐家所说，没人会去听第二个贝多芬。对于科研，没人会去把爱因斯坦的论文调整一下语序再去发表。

如果模仿前人的风格和和声结构，这个专业叫风格模仿写作专业，和作曲专业有些关系，但是目的不同，只不过在国内没有这个专业。

斯波索宾最大的问题就是，这本书不讨论作曲家的时代风格只讨论存在的和声功能，即使把这本书看完，既不能让你考上作曲专业，更考不上风格模仿写作专业。前者在本科入学考试之前（国外），需要一些个性化和当代性的音乐表达。后者，你起码知道巴洛克，古典，浪漫的和声差别，哪些在巴洛克流行的和声进行，哪些是在浪漫主义时期。

Vivian

不能因为使用时没有考虑声部关系，就说没用到斯波索宾为代表的整个传统和声学。毕竟，配和弦也是传统和声的重要部分。除非你一个和弦都不用。

我知道，大多数人学习斯波索宾和声学之前，是以“给旋律、流行歌曲等配和弦”为目的的。但开始学习之后才发现并不是那么一回事，声部关系早就把人绕晕了……

更抓狂的是旋律67，居然不能用IV-V原位；旋律51，居然不能用V-I……

造成这个问题的原因，一方面有教材翻译的问题，但是更重要的是：

Vivian

斯波索宾预设你们都是读过大量乐谱的学生。
所以，刚刚学好乐理就马上进入和声学，就好像刚刚学好26个字母的写法，背了两个apple pen单词，就要开始学过去完成进行时一样……
【题目被改了，本身说的是斯波索宾和声学】

斯波索宾是古典和声学，是为古典音乐作曲服务的，适用的范畴是古典主义到晚期浪漫主义风格。

它不是为流行乐，不是为爵士乐，不是为电子乐，也不是为先锋派作曲服务的。

大家通过斯波索宾和声学习创作，就类似于20世纪初的人们在古典音乐中汲取营养创造了爵士乐，但是当时可能没有人发神经说“哦豁，学这个我们没法创造新的音乐风格的啦”。

（不过对于今天的人们来说，并不一定需要通过古典乐学习爵士，它能提供给你一些思路，但不是必经之路。）

所以与其说“斯波索宾”过时，不如说“仅仅通过学习斯波索宾这本教材就妄图掌握流行爵士和声”的人无知且可笑。

同样的，斯波索宾的三件套（乐理、和声学和曲式学）都强调要结合实际曲目学习，所以也别指望仅通过这本书理解古典音乐作曲是什么样的。与这一道理相违背的现象是，极少一部分音乐学院出身的学生居然以为自己做了这一本书的题就“我知道该怎么写古典音乐了我要去创造新的风格了！”啊所幸这只是极小一部分。



古典和声学之所以有那么多规则，原因在于，其一，引导人们理解完美的和声音响是什么样的，但它不是音乐的全部。这就好比学化妆的人提升化妆技巧，但ta不可能跑到剧组里给每个人都画得特别美，而丝毫不考虑其角色需要什么样的妆容。

其二，古典音乐是一个高度追求结构性的音乐风格，在可以达到很长长度的同时具备严谨的框架，所以对音乐材料、和弦使用的节省在短时间内看起来似乎显得有些拘谨。但正是这种“拘谨”才能表达出一种复杂情感与智慧的沉淀，才能谱写出巨幅但不冗长的诗篇。

理解不了这一点的人，就像看马拉松比赛嘲讽运动员跑不快一样荒谬。



我们常常讲，音乐创作没有金科玉律。所以和声学中的规则是解决各种问题的方式，而不是一个莫须有的规定，同时也不是唯一的解决方式。

比如说为什么是四声部，因为这样能以最精简的形式表现最饱满的和声效果。而在流行音乐中，纵向上饱满的音响也是一个常常追求的目标，只不过其体现形式不一定是四部和声。

所以只要你能通过别的方式满足饱满的音响这一目的，当然不一定要做成四部和声了。比如一些金属乐甚至都没有和弦，但是它依靠失真电吉他本身特殊的音色占据了足够多的频段。做四部和声，甚至密集排列的三和弦反而会让音响浑浊。

归根结底，能产生这种误解的或能提出这类问题的人，还是曲子分析得太少而想得太多，纸上谈兵太多。

归根结底，说斯波索宾过时，不如大大方方地承认“对不起古典和声太难了我学不明白”。很遗憾，现实情况是，我们的当代音乐教育教出来极少数一戳人，愚蠢到了连自己有多不懂古典音乐都不明白的地步。

Vivian

第一:所有的和声学都是和声风格规则。

斯波索宾是传统和声学，简单来说也就是19世纪和声风格。你指望19世纪的风格和声来用作今天的创作或者对当代音乐进行分析，这是有问题的。

第二:为什么，还要学斯波索宾？

那是因为，和声学重要的不是他到底用了什么和声，也不是具体的和声连接套路。而是在于和弦之间的连接方式，以及纵向结构后的音响效果是如何搭建的。再到和其他作曲学科之间的关联以及具体应用。

再来，印象派调式和声，中国当代常用的带有五声性的音列纵合，二十世纪的无调性也好，泛调性也罢，再到用复调来写音响的和声性状态。都是从传统功能和声一步一步发展起来的。

第三:那要创作，该学什么教材或者体系？

两种情况

1、只是喜欢某种风格的创作，那就去学具体风格的和声技术就好。比如，你喜欢19世纪传统风格和声，那就把斯波索宾啃完。喜欢爵士乐，那就去学爵士和声。喜欢二十世纪严肃音乐，那就去学二十世纪和声。

如果想写类似德彪西音响，结果去怪斯波索宾过时，那这就根儿上错了。

2.如果想从事严肃音乐创作，那包括斯波索宾在内，乃至调式和声，二十世纪的和声语言，以及现代复调等等，请好好学，因为谁也不知道未来哪个方向是对的，都是未知数，只能说你了解的越全面，就有可能在自己的道路上走的越远。



综上所述:

讨论斯波索宾过不过时，这本身就没什么意义。

Vivian

看了题目中“编曲”人觉得斯波索宾无用，乃至于四部和声无用。认为不写四部和声依旧能写好编曲。

然而这是大错特错的。只要写乐队，乃至于任何稍微复杂一些的乐器组合，那么就必然牵扯到织体的写法——无非就是复调织体、合唱式织体以及旋律+伴奏织体。

除了复调织体之外，其余的两种织体都非常考验一个人的四部和声写作功底。合唱式织体需要先有四部和声的基础，再进行重复扩展，旋律+伴奏的织体中伴奏无非就是拆开了的四部和声，如何有选择的重复音，保证横向上进行的良好，以后是考验人的。

没有四部和声的基础，就难以应付任何复杂的乐器组合——写出来的音响要么过于简单，要么就浑浊不清。

固然，写作和理论是有一定距离的，在初学时可以先写东西再补足理论。但是如果觉得理论不重要，那你的创作必然会很快到瓶颈，受极大的限制。



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斯波索宾和声学并不是教你和声的。

而是教你如何进行和弦声部连接的。

当然，在学习这个过程中，顺便也能教你如何“配和声”。

只有完全了解且掌握了和弦连接的方法，你的创作才有章法可循。你的音乐织体写作才会是有序的，而不至于像无头苍蝇一样到处乱飘。

斯波索宾教的另一个东西，则是关于和弦的“功能性”或者说是“力度性”（和弦的力度性同和弦的色彩性相对应）。告诉了你和弦连接的倾向性与紧张程度的问题，从传统和声出发向你揭示了和声进行的原理——即由稳定不断向紧张推进再从紧张“解决“到稳定的过程。

因此问题的关键从来不在于“那个功能的和弦要怎么用”，而是“哪种性质的和弦”有着怎样的特性，其连接前后的逻辑关系应该是什么。

当你掌握了斯波索宾所教给你的那些不同性质和弦的“准备“与“解决”后，再去面对那些更为复杂的和弦，甚至自己捏合一个和弦的时候，才不会迷茫。斯波索宾的目的，其实就是让你在随便写任何的和弦，都能知道其去往何方。

而掌握不好斯波索宾，当你在写一些复杂的和弦时，很有可能除了平行进行外就别无他法。无法处理一个和弦的走向，那么你的创作就缺乏推动力。

总而言之，斯波斯宾所教授的那些“和弦”一直都是教学中的“附赠”品。其真正想要告诉你的和弦连接方式与和声进行的逻辑，才是最为宝贵的。